La música llegó a mi vida mucho antes de que imaginara escribir novelas o producir bandas sonoras. En mi familia siempre estuvo presente y, gracias a esa influencia, mis primeros acercamientos fueron con la guitarra, instrumento con el que aprendí las bases de la armonía y el acompañamiento.
Cuando tenía 15 años, mi padre decidió inscribirme en una Academia Yamaha, donde estudié piano y órgano electrónico. Fue ahí donde descubrí un instrumento que terminaría marcando mi manera de entender la música: el sintetizador.
La década de los años ochenta representó la época dorada de los sintetizadores. Artistas como Jean-Michel Jarre, Vangelis, Kraftwerk y muchos otros estaban redefiniendo el panorama musical, demostrando que la electrónica podía emocionar tanto como una orquesta. Aquellos sonidos futuristas despertaron en mí una enorme curiosidad y el deseo de experimentar con nuevas texturas, melodías y atmósferas.
Aunque nunca cursé una carrera profesional en música, esos años de formación me dieron las bases necesarias para desarrollar un aprendizaje constante. Pasaba horas improvisando, componiendo pequeñas piezas y tratando de descubrir cómo cada instrumento podía expresar una emoción distinta.
En 1985, al iniciar una nueva etapa académica, decidí dejar la música parcialmente para concentrarme en mis estudios. Sin embargo, nunca desapareció de mi vida. Siempre que visitaba a un amigo que tenía un piano, un órgano o un sintetizador, inevitablemente terminaba sentado frente al teclado improvisando durante horas. La música se convirtió en una compañera silenciosa que permaneció conmigo incluso cuando otras responsabilidades ocuparon el primer lugar.
Años después, cuando mi familia se convirtió a La Iglesia de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días, tuve la oportunidad de retomar el piano de una manera muy especial. Durante los servicios religiosos fui el encargado de interpretar al piano los himnos congregacionales programados para cada reunión. Aquella experiencia fortaleció mi sensibilidad musical y me enseñó el valor de utilizar la música como un medio para transmitir emociones, serenidad y espiritualidad.
Con el paso de los años, esa pasión comenzó a integrarse de forma natural con mi trabajo como escritor. Mientras desarrollaba mis primeras novelas descubrí que cada escena, cada personaje y cada paisaje parecían tener una melodía propia. Fue entonces cuando nació una idea que me acompañaría durante muchos años: crear un soundtrack original para cada uno de mis libros.
La idea surgió alrededor de 2004, aunque durante mucho tiempo permaneció únicamente como un proyecto personal. La tecnología, el tiempo y las circunstancias todavía no permitían convertir ese sueño en realidad. Finalmente, en 2017, ese proyecto tomó forma con El Vuelo del Quetzal, mi primera banda sonora original, marcando el inicio de una nueva etapa creativa donde literatura y música comenzaron a caminar juntas.
Actualmente el proceso de creación es una colaboración entre dos visiones complementarias.
Mi trabajo consiste en desarrollar cada composición desde su origen: construir las melodías, armonías, estructuras, atmósferas e instrumentación utilizando Studio One como plataforma de composición. Cada pieza nace primero como un boceto sonoro cuyo propósito es transmitir la emoción de una escena, un personaje o un momento específico de la historia.
Una vez terminada esa primera etapa, el proyecto pasa a manos del Ing. David Rojas, quien aporta la experiencia técnica y artística necesaria para llevar cada composición a un nivel profesional.
David Rojas obtuvo los grados de Pianista Concertista por la École de Musique Vincent-d’Indy y de Ingeniero en Audio Profesional por la McGill Music School. Desde su estudio de grabación desarrolla la producción final de cada obra, enriqueciendo la instrumentación, el diseño sonoro, la mezcla y la masterización hasta convertir las ideas originales en producciones listas para su publicación.
Esta colaboración une dos perspectivas complementarias: la narrativa y conceptual que da origen a la música y la experiencia interpretativa y técnica que transforma esas ideas en una producción con calidad profesional.
Mi música también refleja la influencia de cuatro artistas que, desde distintos géneros y épocas, marcaron profundamente mi manera de entender la composición.
Del mexicano Jorge Reyes heredé la admiración por los sonidos ancestrales y la capacidad de convertir instrumentos prehispánicos y étnicos en paisajes sonoros llenos de espiritualidad. De Jean-Michel Jarre aprendí que la música electrónica puede construir mundos enteros mediante atmósferas y secuencias sonoras. Vangelis me enseñó que una melodía puede convertirse en el alma de una historia y transmitir emociones profundas con una enorme sencillez. Finalmente, el pianista y compositor de jazz Ramsey Lewis despertó en mí el gusto por las armonías elegantes, la improvisación y la expresividad del piano.
Aunque cada uno pertenece a un universo musical distinto, juntos forman la base sobre la que he construido mi propio lenguaje sonoro: una mezcla de ritmos tradicionales del mundo, instrumentos ancestrales, música sinfónica, electrónica ambiental y elementos cinematográficos, siempre al servicio de la narrativa.
La vida, sin embargo, volvió a transformar mi manera de hacer música. En 2019, el Síndrome de Guillain-Barré (AMAN) dejó como secuela una atrofia permanente en mis manos, limitando de forma importante la movilidad fina de mis dedos. Aquello hizo prácticamente imposible volver a interpretar la guitarra o ejecutar un teclado con la libertad que había tenido durante décadas.
Lejos de significar el final de mi actividad musical, esa circunstancia me obligó a reinventar mi forma de crear. Canalicé toda esa experiencia acumulada hacia la composición digital, utilizando Studio One como mi principal herramienta de trabajo. Hoy desarrollo mis obras a partir de instrumentos virtuales, bibliotecas sonoras y sonidos preprogramados, construyendo cuidadosamente cada melodía, armonía y arreglo nota por nota.
Paradójicamente, esa limitación física abrió una nueva etapa creativa. Ya no interpreto la música con las manos sobre un piano o un sintetizador como antes; ahora la construyo desde la imaginación, apoyándome en la tecnología para convertir las ideas en paisajes sonoros. Es un proceso diferente, más lento y meticuloso, pero que me ha permitido seguir componiendo y dar vida a las bandas sonoras que acompañan mis libros.
Cada nueva obra es también un recordatorio de que la creatividad puede encontrar nuevos caminos incluso cuando el cuerpo impone límites. La música continúa siendo una de las formas más profundas que tengo para contar historias, y gracias a las herramientas actuales, así como a la colaboración con el Ing. David Rojas, puedo seguir compartiendo con el público los universos sonoros que nacen de mi imaginación.
Cada composición busca transportar al oyente a un lugar específico: una antigua ciudad mesoamericana, un templo olvidado, una montaña sagrada, un paisaje extraterrestre, un hospital psiquiátrico o los rincones más oscuros de una novela de terror. Más que producir canciones independientes, mi propósito es crear paisajes sonoros que permitan vivir cada historia con los oídos, haciendo que la música se convierta en una extensión natural de mis libros y de mi forma de contar historias.
Hoy, cada nueva novela representa también el nacimiento de una nueva banda sonora. Porque estoy convencido de que una buena historia no solo puede leerse: también puede escucharse.